Por cinco décadas, el recinto diseñado por el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez ha albergado lo mejor del arte contemporáneo nacional. Este año, celebramos su 50 Aniversario.
La inauguración del Museo de Arte Moderno en 1964, supuso una transgresión: el país aún no lograba superar la estética impuesta por los muralistas, que si bien fue un capítulo fundamental del arte nacional, impedía el pleno reconocimiento de una nueva generación de pintores que no estaban interesados en seguir con la temática nacionalista y revolucionaria de sus antecesores. De hecho, hay que buscar los antecedentes del MAM diez años antes, cuando Carmen Barreda, entonces directora del Salón de la Plástica Mexicana, entendió la necesidad de crear un recinto destinado “a preservar, estudiar y difundir el arte moderno mexicano e internacional”. A ella debemos la creación del patronato que reuniría los fondos para construir el edificio.
Los esfuerzos de Barreda dieron como resultado la creación de un edificio que en si mismo fue una audacia: la estructura de cristal y acero se diseñó para albergar pintura de caballete, escultura, gráfica… no contemplaba murales de temática revolucionaria, pues su vocación estaba en la modernidad, no en el pasado. El responsable del diseño fue el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez, a quien también debemos el Museo Nacional de Antropología y el Estadio Azteca.
¿Cuál fue la exposición con la que se inauguró el recinto el 20 de septiembre de 1964? En realidad fueron cinco: una revisión del arte desde la época prehispánica hasta el siglo XIX; la segunda se dedicó a José María Velasco; la tercera a Orozco, Siqueiros, Rivera, Gerardo Murillo y Tamayo (más otra dedicada exclusivamente a este último); pero la quinta, reafirmó el objetivo del espacio, pues incluyó a la generación de la ruptura: Cuevas, Felguérez y Gerzso, entre otros.
Hoy, a 50 años de su creación, el MAM cuenta con más 2,600 obras de 773 artistas -nacionales y extranjeros-, con las cuales se han llevado a cabo 2,703 exposiciones.
Para celebrar sus cinco décadas, el MAM ha preparado tres exposiciones especiales: 50 años, 50 obras, formada por piezas de Rivera, Kahlo y Orozco, entre otros; Carteles MAM 1964-2014, y una más en colaboración con Design Week México: Pedro Ramírez Vázquez, inédito y funcional, dedicada al arquitecto del recinto.
No olvidemos que además, el Museo será sede de las pláticas vespertinas de diseño, también dentro del marco de la DWM. ¿Qué mejor pretexto para visitar este espacio que hacerlo dentro de la semana del diseño?
Los objetos tienen un significado y por eso los atesoramos: el suvenir que nos regresa a ese gran viaje, la copa que ha sobrevivido a tantos brindis, un juguete de la niñez… pero, ¿qué pasa cuando el objeto nos remite a episodios tristes? Pues bien, entonces su lugar está en el Museo de las Relaciones Rotas, un proyecto de los croatas Olinka Vištica y Dražen Grubisic, que ha recorrido casi 60 ciudades y que se enriquece con las donaciones de personas con el corazón roto, pero que han decidido dejar testimonio de una parte de sus vidas para poder seguir adelante. Esta maravillosa idea llegó al MODO .
En el caso de México, el museo recibió más de 700 objetos, cada uno con una historia que contar: una botella de perfume, unos lentes de sol, una máquina de escribir o un vestido de novia que nos hablan de rupturas románticas, pérdidas causadas por la pandemia o incluso mascotas que ya no están. Los propios creadores del Museo de las Relaciones Rotas fueron los encargados de hacer la selección final. El objetivo, en sus palabras, fue “Que el recorrido genere una montaña rusa emocional, pasando de historias simpáticas, a tristes, conmovedoras o inspiradoras, para poder reflejar la diversidad de relaciones y tipos de ruptura”.
¿Es esta una exposición ‘triste’? Por momentos, pero te aseguramos que si bien puede ser conmovedora, también invita a la reflexión y la empatía. Cada objeto es una historia de vida, de personas valientes que han decidido cerrar ciclos en su vida.
Definitivamente no puedes dejarla pasar. Puedes visitarla hasta el 26 de marzo.
Colima 145, col. Roma Nte. Mar a dom de 10:00 a 18:00 hrs.
¿Eres coleccionista de arte?, ¿te interesa iniciarte en el coleccionismo…? Entonces la RAC es el evento es para ti: se trata de un recorrido que te lleva a estudios y talleres de artistas independientes que no suelen estar abiertos al público. La intención es que interactúes con los creadores, descubras nuevas propuestas y puedas adquirir sus piezas. Tu boleto incluye transporte seguro, música, performance, mezcal, cerveza y un cupón de 1000 pesos canjeable por obra.
El próximo evento será la Ruta Centro y recorrerá cuatro galerías este domingo 27. Para más informes sobre esta nueva Ruta de Arte y Cultura y comprar boletos entra aquí . ¡Sin duda será toda una experiencia!
En esta ocasión te queremos proponer salir de la ciudad. Querétaro es ideal para una escapada de un día. Puedes salir muy temprano y regresar por la tarde. Pero, ¿qué hacer entre el desayuno y la comida? Nosotros te recomendamos que visites “Plenitud” en el museo de la ciudad. Se trata de cinco exposiciones individuales de los artistas israelíes: Keren Anavy, Guy Aon, Tal Frank, Bat-Ami Rivlin y Nadav Weissman. Instalación, pintura y fotografía son parte de una muestra interesantísima que además nos acerca al quehacer artístico del Israel contemporáneo… a tan solo dos horas de la CDMX.
No te la pierdas, tienes solo hasta el 26 de noviembre para visitarla.
Museo de la Ciudad de Querétaro
Vicente Guerrero Nte. 27, Centro, Santiago de Querétaro, Querétaro. De mar a dom de 12 a 20 hrs.
“La belleza de las cicatrices”, “una forma de ver la vida, con sus adversidades y errores”, “un recordatorio de que hay que saber recuperarse…”: estas son algunas ideas y reflexiones detrás de el ‘kintsugi’, el arte japonés de reparar cerámicas rotas utilizando un técnica que deja una cicatriz visible en la pieza.
El ‘kinsugi’ es una técnica y al mismo tiempo una filosofía. Se remonta a la época del Japón feudal, cuando un personaje de la nobleza mandó reparar a China un cuenco roto que apreciaba especialmente. El resultado fue una decepción: simplemente le colocaron unas grapas. La solución la encontraron artesanos japoneses que utilizando un barniz mezclado con oro para unir los pedazos de cerámica. El cuenco recuperó su forma, aunque quedaron bien visibles cicatrices doradas.
Actualmente, las cerámicas que han pasado por la técnica ‘kinsugi’ (también llamada “carpintería de oro”), llegan a ser más apreciadas y valiosas que cuando eran “perfectas”. No solo eso, la técnica es fuente de inspiración. Este es el caso del artista francés Sarkis, quien creó para la casa Bernardaud “Kinsugi”, una vajilla en la que la más fina porcelana es cruzada por cicatrices de oro. Llevar esta colección a la mesa, sin duda es sentar un manifiesto filosófico.
Sobre Sarkis hay que decir se trata de un prestigiado artista asentado en París. Es pintor, videasta y escultor), con exhibiciones en el Centro Pompidou, el Museo de Arte Moderno de San Francisco o el Museo Boymans de Rotterdam. La critica especializada suele señalar la dimensión poética y humanista de su obra. “Kinsugi” sin duda es prueba es esto.
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