En la Europa de la posguerra, los países devastados por el reciente conflicto buscaron en la industrialización una solución para reactivar sus economías; Italia no fue la excepción, pero además fue un paso adelante al apostar por el diseño. Esto haría la diferencia y sentaría las bases de una escuela que hoy se identifica bajo el lema “Diseño Made in Italy”. ¿Cuáles son sus características? Nosotros te las decimos:

1 Para abordar el diseño italiano hay que conocer el concepto “Bel Design”; este surge en los años 50. Se trata de una estética en la que la tradición artesanal italiana se encuentra con la tecnología. Aunque el reinado del Bel Design finalizaría en los años 70, para dar paso al concepto Diseño Made in Italy, muchas de sus ideas aún son fundamentales, por ejemplo: la necesidad de experimentar e innovar.

2 Los grandes diseñadores italianos sienten una auténtica fascinación por los nuevos materiales. Esto fue lo que en su momento llevó a firmas como Kartell a interesarse en el plástico para fabricar objetos que hoy son de culto.

3 Quizás por ser la cuna del Renacimiento, el diseño italiano es profundamente humanista. Así lo entienden muchas firmas, por ejemplo Artemide, que incluso hace de esta idea una filosofía, de ahí su lema “The human light”, esto es poner al hombre al centro.

4 Siguiendo con la idea de una industria “renacentista”, hay que decir que el diseño italiano está en el extremo opuesto de la escuela funcionalista alemana o nórdica: el carácter escultórico o la búsqueda de nuevas estéticas son fundamentales para los italianos. ¿Un ejemplo? El librero “Venus” de Fabio Novembre para Driade… ¡se trata de todo un manifiesto!

5 Italia entiende que sus industrias creativas son fundamentales para generar riqueza. Bajo esta idea ha impulsado la designación “Made in Italy”, la que según la auditora KPMG, es la tercera marca más importante del mundo después de Coca-Cola y Visa. Tampoco olvidemos que su Salone del Mobile es la feria de mobiliario más influyente del mundo.

“Fue amor a primera vista”: así describen los diseñadores Isabelle Olson y Mattheus Krenn su primer contacto con la propiedad que se convertiría en el hogar de sus sueños. Localizada en Sunnyvale, California, la casa “Twin Gable” fue diseñada en la posguerra por el arq. A. Quincy Jones. Se trata de un gran ejemplo de las construcciones de los años 50, por lo que su nuevos propietarios querían devolverle su viejo esplendor, pero con un giro: actualizar el estilo ‘mid century’.

El despacho Ryan Leidner Architecture y los paisajistas de Stephens Design Studio, fueron los encargados –de la mano de los nuevos ocupantes– de renovar la casa. Así, se deshicieron de intervenciones pasadas buscando regresar a ese espacio limpio, moderno e iluminado que proyectó Jones décadas atrás.

El interiorismo, siguiendo la idea ‘mid century’ es monocromático, minimalista y moderno. ¿El mobiliario? De una firma acorde al concepto: Fritz Hansen. La silla “Serie 7”, el florero “Ikebana”
de Jaime Hayon y otras piezas de esta marca salen al paso de quien recorre la casa.
¡Recórrela con nosotros y déjate inspirar!

Cuando invitamos a Marco Marín a montar una mesa de otoño en Casa Palacio Santa Fe, el arquitecto decidió inspirarse en el Día de Muertos, aunque claro, desde su muy particular visión. ¿Su propuesta? Reinterpretar la celebración, con todos sus colores y elementos, para traerla al siglo XXI.

Para enfrentar en la mesa tradición y modernidad, Marco se decidió por piezas que nos remiten a los elementos propios del festejo, pero de manera abstracta, todas colocadas alrededor del protagonista del montaje: el follaje que representa el camino que siguen las almas.

Marín se decidió por la mesa “Valbonne” en negro y frente a esta, a manera de puerta al más allá, un biombo de espejos, ambos son de Eichholtz.

La vajilla es la “Bulle Sable Noir” de Bernardaud. La acompañan objetos mágicos como los anillos para servilletas en forma de serpiente de L’Objet o las piezas de cristal de Reflections Copenhagen. La cubertería, elegantísima y original, es de Herdmar.

Para los vivos, Marco colocó sillas “Sing Filo” de MDF Italia y el taburete “Bernini” de Eichholtz, entre estos elementos dejó espacios libres que serán ocupados por los que ya no están.
El conjunto es muy teatral y es así porque como Marco nos dijo, la idea es que nos sentemos a la mesa vestidos de calacas y catrinas, y nos dejemos llevar por una fiesta que más que la muerte, celebra la vida.

Hay personajes que pasan desapercibidos y aún así son grandes artífices; esto suele pasar en la arquitectura: por un lado tenemos los grandes nombres, los referentes, los que reciben el reconocimiento y por el otro, aquellos que de manera discretísima también levantan ciudades. Este es el caso de Manuel Parra (1911-1997), a quien se le menciona como “el otro arquitecto del siglo XX” y es que la CDMX no solo ha sido dibujada por Barragán, Pani o Ramírez Vázquez.

Sobre Parra primero hay que decir que en sus obra se encuentran sus pasiones: la pintura, escultura y escenografía. Después, que su arquitectura fue ante todo humanista. El maestro tenía un gran conocimiento de las construcciones novohispanas, las expresiones populares y las técnicas artesanales, elementos que llevó a lo que más le interesaba: el diseño de residencias.

Mientras que a la mayoría de los arquitectos de los años 50 les entusiasmaban el modernismo y el funcionalismo, Parra decidió ir a contracorriente. Así, las casas de Manuel Parra son una reinterpretación de la arquitectura colonial. Además, para darles un toque histórico, el maestro solía recurrir a una práctica hoy común pero que en su tiempo era una herejía: rescatar puertas, marcos o herrerías de viejas haciendas o edificios.

La muy particular visión de Manuel Parra se tradujo en espacios acogedores, en los que pasado y presente se fusionan, siempre poniendo a las personas en el centro. Podemos encontrar sus casas en Coyoacán y San Ángel Inn (de hecho se le considera el creador de esta última colonia). ¿Quieres recorrer una de sus obras? Entonces visita la casa fuerte del Indio Fernández, una de sus obras más emblemáticas. Recórrela con nosotros aquí.

Si se habla poco del arquitecto Manuel Parra es porque él mismo siempre se alejó de los reconocimientos y no le interesaba publicar libros. Sin embargo, su obra bien merece ser estudiada por las nuevas generaciones de arquitectos. Pensando en ellos y para rendir un pequeño homenaje al maestro, es que decidimos publicar esta nota. ¡Esperamos que haya despertado tu curiosidad!

Hay proyectos de interiorismo que logran materializar fantasías y capturar los sueños. Este es el caso del Diseño Interior de uno de los restaurantes más fascinantes del mundo. Se llama The Alchemist y está en Copenhagen, Dinamarca.

The Alchemist no es solo la fusión perfecta entre gastronomía y diseño, es algo más: su creador, el chef Rasmus Munk, buscaba hacer de una cena algo nuevo y único. Así, se decidió por la cocina molecular en una experiencia de… ¡hasta seis horas! El responsable de concretar esta idea fue el Studio Duncalf, de Londres.

El concepto fue crear varios espacios que los comensales van recorriendo a lo largo de su travesía culinaria, aunque quizás el más impactante y en el que de hecho transcurre la mayor parte de la experiencia es en el comedor con techo de domo a manera de planetario en el que se proyectan imágenes que aunque de la naturaleza crean una sensación onírica.

La experiencia finaliza en ‘el balcón’, un área creada para que los asistentes comenten la singular experiencia por la que acaban de pasar. Para este espacio Studio Duncalf se decidió por una pieza que tu conoces muy bien: la silla “Ro” de Jaime Hayón. Sin duda el objeto ideal para cerrar una noche surrealista que para los que tienen la suerte de vivirla jamás se volverá a repetir.