Por Alejandro Felguérez.

La luz es un elemento básico en nuestra vida: nos permite apreciar con la vista las cosas y tiene la facultad de que veamos las mismas de una u otra forma, pero cuando hablamos de arte, la luz se vuelve un tema mucho más complejo, y es que dependiendo de la forma en que iluminemos una pieza artística –ya sea una fotografía, escultura o pintura– será la presencia que tengamos de la misma.

Existen muchas formas de iluminar el arte, pero siempre hay que partir del análisis de la naturaleza de nuestra pieza antes de decidir la fuente lumínica, pues debemos procurar su conservación y ciertos tipos de luz pueden dañar o decolorar los materiales de las que está hecha.
Otra cuestión a considerar es cómo queremos “bañar” la pieza y en este tema podemos entrar en controversias ya que depende del gusto personal. En algún momento la tendencia fue dirigir la fuente lumínica de manera directa a la pieza, después se puso de moda hacerlo de manera indirecta y más tarde utilizando reflectores de luz que encuadraban la pieza. En la actualidad –y en mi opinión– es importante dar un baño de luz al muro en general para que la pieza destaque.

Recuerda que la base de la iluminación es crear espacios de luz y espacios de sombra, para crear volúmenes, texturas y matices diferentes en nuestros espacios, resaltando así la belleza de nuestras obras de arte.

Ahora que mi consejo más importante es siempre recurrir a un profesional para que nos apoye y sugiera la mejor manera de iluminar las piezas. El arte es algo muy personal, la estética es algo subjetivo, pero iluminar de la mano de un profesional puede ayudarnos a lograr el resultado que se busca.

El despacho de Mariano Aguirre realizó el interiorismo de esta casa familiar; el arquitecto nos explicó que su cliente quería: “‘Espacios amplios, pero acogedores’, y es que a la pareja le encanta recibir invitados por lo que el área social tenía que pensarse para recibir grupos grandes”. Partiendo de esto, Aguirre proyectó un estilo “contemporáneo y sofisticados para sala y comedor; mientras que el bar y desayunador son más relajados y acogedores”.

Hay que señalar que aún cuando en la premisa las áreas sociales sean importantísimas, los lugares privados no deben ser descuidados. En este caso, para esta familia la recámara principal es un punto de reunión, por lo que MAAD les propuso crear un espacio tipo “suite”.

En el proyecto se incluyeron varias marcas que conocemos muy bien; por ejemplo: la sala es de Linteloo, las mesas de centro de Orsenigo, los sillones de Camerich y hay una banca de Bernhardt . Por su parte, en el comedor nos sorprendieron las sillas de Eichholtz y las luminarias de Bodo Sperlein para Tane. En el bar destacan los bancos de Bontempi y los tapetes de Calvin Klein.

¿El detalle que llama la atención? Los cráneos son una constante, los encontramos estampados en cojines o como accesorios decorativos. Se trató de una sugerencia del cliente que Mariano supo integrar a la perfección. A continuación el resultado…

Con impresionantes vistas al mar Tirreno, esta casa es un diseño de los arquitectos Vincent Coste y Bruno Flechet, quienes se decidieron por un estilo minimalista y muy contemporáneo, ¡pero además sustentable!: la villa está diseñada de manera tal que se adapte al relieve del terreno y a la vegetación, ambas protegidas por las autoridades de la isla de Córcega. De hecho, para que se integrara mejor a su entorno, la vivienda fue decorada con cedro rojo y cuenta con un techo verde. 

Los interiores también son espectaculares: dos elementos son centrales, primero la chimenea con su carácter escultórico y las lámparas de suspensión de vidrio soplado de SkLO; estas últimas no solo tienen una función utilitaria, sino que además le dan calidez y color al espacio. Por cierto, la colocación de las lámparas es una estudiada composición por parte de Coste y Flechet. El resto del mobiliario es mínimo y muy discreto, primero porque el gran protagonista de este diseño es la naturaleza mediterránea y después, para no robar atención a la interesante instalación que se montó con las piezas de SkLO.

Acompáñanos a conocerla.

Fotos de Florent Joliot

Si algo siempre celebraremos son las colaboraciones entre los grandes nombres del diseño, sin embargo, este caso es sumamente especial: Vista Alegre, la casa portuguesa de porcelanas, se unió a una marca orgullosamente mexicana, Pineda Covalín, para juntas crear algo único. Se trató de un encuentro insospechado entre culturas distintas con formas totalmente diferentes de abordar el proceso creativo. Del trabajo en conjunto surgió lo sorprendente: una vajilla de porcelana tan bella y onírica que fue bautizada como “Atrapasueños”.

Hay que decir que todo esto comenzó hace poco más de un año cuando ambas marcas, en presencia del Presidente de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa, firmaron en la Ciudad de México un acuerdo de colaboración para diseñar colecciones en cristal y porcelana. “Atrapasueños” es el primer resultado de esta asociación.

La maravillosa vajilla se presentó con un montaje especial en El Palacio de los Palacios, y ahora, en el marco de Design Week México, se exhibirá en Casa Palacio Antara. ¿Te la vas a perder?

Siempre que hablamos de vajillas finas, es obligado mencionar un lugar que produce algunas de las mejores: la ciudad francesa de Limoges, mundialmente conocida por su maravillosa porcelana; por eso, en esta ocasión decidimos contarte un poco de su historia, para entender el por qué de su fama.

Situada en la región de Nouvelle-Aquitaine, a orillas del río Vienne, Limoges siempre ha sido una ciudad con una fuerte vocación industrial basada principalmente en su famosa porcelana; fabricarla es una tradición que inició en el año 1768 cuando accidentalmente una de sus habitantes encontró una arcilla que le pareció ideal para lavar ropa. La mujer no sabía que se trataba de caolín, esto es: el mineral necesario para elaborar porcelana. En ese entonces la mejor venía de China, pero descubrir yacimientos de caolín en Francia hizo que no fuera necesario importarla. No solo eso, justo en ese momento el país atravesaba una crisis económica y el hallazgo ofrecía una interesante alternativa para salir del problema. Por eso, el rey Luis XVI proclamó un edicto para otorgar a la ciudad de Limoges la exclusividad en la producción de la porcelana del reino. El resto es historia: en la región se establecieron factorías dedicadas a producirla; incluso muchas de estas aún funcionan.

Hay que decir que en principio los talleres se dedicaban a imitar las porcelanas asiáticas, pero para el siglo XVIII comenzaron a proponer diseños propios que aplicaron a objetos como lámparas, camafeos o miniaturas que se convirtieron en exquisitos objetos del deseo y que terminaron por darle fama mundial a la ciudad. ¿Un gran ejemplo? Los de la maison establecida en 1863: Bernardaud.

La tradición ceramista de la ciudad subsiste hasta hoy, tanto que a Limoges se le conoce como “La capital de las artes del fuego”, y es que es precisamente el calor de sus hornos, el que transforma a la humilde arcilla en la más fina porcelana.